Evolución de la fotografía artística

Inventada en las primeras décadas del siglo XII, y siendo objeto de numerosos avances durante la época del Arte Victoriano, la fotografía capturó instantáneamente más detalles e información que métodos tradicionales de reproducción, como la pintura o escultura . La evolución técnica de la fotografía fue un asunto poco sistemático, aunque un gran salto fue el descubrimiento de emulsiones en 1839, lo que permitió a las cámaras tomar fotografías en blanco y negro. Los avances del siglo XX en tecnología fotográfica han estado dominados por mejoras en el cine y la cinematografía, conduciendo a nuevas formas creativas como la animación arte , dibujos animados y videoarte.

La fotografía evolucionó a partir de la cámara obscura, un instrumento que proyectaba una imagen a través de un pequeño agujero, permitiendo al artista realizar un trazado preciso de un objeto o escena. La primera mención de su uso como ayuda para el dibujo apareció en Magia Naturalis, un tratado científico del italiano Giambattista della Porta. Muchos viejos Maestros de los siglos XVII y XVIII, incluido Jan Vermeer (1632-75) y Canaletto (1697-1768), se cree que lo usaron en sus bocetos.

Con la difusión de la fotografía con cámara desde 1840 en adelante, el uso de fotos se hizo común en la producción de retratos, así como en la pintura paisajística . Muchos pintores de figuras y retratistas comenzaron a utilizar la nueva medio de fotografía además de modelos, para reducir el tiempo de estar sentado. El gran pintor realista estadounidense del siglo XIX, Thomas Eakins (1844-1916), por ejemplo, era un ávido usuario de la cámara, que empleó la fotografía como parte de su búsqueda del realismo, en lugar de como atajo o ayuda a la composición y perspectiva. La fotografía fue también empleado por artistas paisajistas, en particular los pintores impresionistas franceses, como una ayuda para la pintura al aire libre.

Aunque a finales del siglo XIX, la fotografía había sido aceptada tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos como un elemento de arte visual menor, debido en parte a los esfuerzos de promoción de revistas como «Fotógrafos Aficionados de América», así como organismos como la» Sociedad de Fotógrafos aficionados «, la» Sociedad de fotógrafos aficionados de Nueva York «, la» Sociedad Fotográfica de Filadelfia «, y el «Boston Camera Club», varios artistas fotográficos querían demostrar que el nuevo medio podía ser tan artístico como otros tipos de arte , como el dibujo y la pintura.

El pictorialismo – el primer gran estilo de arte fotográfico – se estaba convirtiendo en alta costura entre los artistas basados ​​en lentes, alrededor del cambio de siglo. Pictorialismo referido a fotografías (típicamente de ensueño, ‘enfoque suave’) que fueron efectivamente «creadas» en el cuarto oscuro. En lugar de grabar la imagen de un tema en particular, el fotógrafo manipuló el proceso de impresión, para crear el efecto deseado. Para un camarógrafo pictorialista, una fotografía era algo que debía manipularse como un pintor manipula su lienzo y paleta de pinturas.

Como estilo influyente, el pictorialismo se desvaneció después de 1920, siendo reemplazado por el nuevo idioma del Modernismo fotográfico, a medida que el público comenzó a preferir imágenes con un enfoque más nítido. A pesar de la decepción del pictorialismo, la fotografía ganada en estatus artístico desde este nuevo enfoque más nítido, debido a la evocadora fotografía de paisajes y el Precisionismo de Charles Sheeler.

En las últimas décadas del siglo XIX, la fotografía comenzó a reemplazar a la pintura como forma moderna de retrato. Durante el siglo siguiente, a medida que mejoraba la tecnología de las cámaras, la fotografía artistas extendieron el medio para abarcar una variedad de diferentes tipos de retratos, en particular retratos de moda y callejeros, así como los más convencionales retratos formales.

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